Manolo Valdès,  artiste  espagnol,  est  surtout  connu pour  ses grandes sculptures

reprenant en particulier  le "mythe"  des Ménines,  de Velasquez,

Avec ses peintures et collages,  il se  réfère  aussi à d'autres  épisodes  "iconographiques  "  de l'art,

et notamment  le rappel d' un passé artistique  de l'Espagne.. la dame  d'Elche, par exemple.

On peut aussi  déceler des rapports  avec les artistes  de la Renaissance Italienne,  Rubens, 

mais aussi des plus proches de nous, comme H Matisse  etc...

L'abstraction américaine, des années  50à 70 a bouleversé la conception de la peinture contemporaine,

On y croise des noms devenus célèbres; comme

Franz Kline,       Jackson Pollock,        Clyfford Still,         W De Kooning,            Mark Rothko,          Arshile Gorky,

la plupart étant reconnus comme faisant partie  de  "l'action painting"....

Outre  les très grands  formats pratiqués,           et la cote de certains,         qui en a fait  "les plus chers du monde", 

un ensemble  d'artistes  moins  connus  a gravité autour de ces "piliers de l'expressionisme".

La Fondation Fernet Branca ( ancienne usine de  fabrication de l'apéritif du même nom ) y organise  une  exposition d'artistes

tels que 

R Pousette-Dart,

Sam Francis,

Charles Pollock,

Jack Tworkov,

David Smith,

Adolph Gottlieb,

Hans Hofmann, 

et même Robert Rauschenberg, davantage  relié  au mouvement  "pop".

Exposition jusqu'au 22 septembre 2013

L'occasion de découvrir  des oeuvres  qui ont du mal à franchir nos frontières...

ici une peinture de Sam Francis

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Adolph Gottlieb

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R Pousette-Dart

Comme il n'était pas permis de photographier, j'ai donc fait une aquarelle personnelle à partir d'une  des oeuvres  de J Tworkov, qui y était exposée,,

et dont  j'ai retrouvé la "trace" sur le net....

Bonne visite !                    

peinture:          gouache découpée:         H Matisse      ( la mer) 1946

J’ai traversé le  ciel,
Avec mes  ciseaux,
Laissé  derrière,      pêle mêle,
Des  silhouettes  d’oiseaux,
Mêlées  de girouettes,
Sur les hautes demeures,
Agitées de vents  de fête,
-        Réservant à la couleur,
Des rencontres,         l’aventure
Entre une ligne  qui s’enroule,
Vers une découpe  de peinture,
Séchée  ( avant qu’elle ne coule ),
Et, sous les feuilles de figuier, penser
A rassembler les bleus,
>           Et puis les faire danser
En exotiques feux…

RC  – 1er  septembre   2013

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peinture:   Frida Kahlo     auto-portrait et Bonito

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Témoins des cobras,

Ou Quetzalcoatl , le serpent à plumes

Un empire en candélabres,         cactus,

Et les scènes touffues,

Prennent le corps du ciel,

Le liant des racines,

En vaisseaux de sang

Où la peur s’écartèle,

Aux visions de Frida

Accouchant d’elle-même,

Sous le soleil latent,

Comblé de mille gestes,

Bascule l’ordre des choses..

Aux lèvres gercées du Mexique,

Et silences crevassés,

De la terre aztèque.

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peinture:   Frida Kahlo   auto-portrait–      Le rêve             1940

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peinture: Frida Kahlo Portrait of Luther Burbank 1931

voir cette présentation sur  Slide Share,

A partir du livre "L'art de la composition et du cadrage " aux éditions Fleurus

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Télécharger « Chapitre 3.pdf »

Et bien entendu en peinture, des artistes  comme Morandi,  Cézanne...

(nature morte au compotier et aux biscuits)

l’art est ce mode de la pensée qui nous reconduit inlassablement à considérer en toutes choses, non le savoir que nous pouvons en acquérir, mais cette part d’irréductible énigme qui, précisément, la rend à nos yeux « admirable ». C’est à partir de là qu’on peint et qu’on écrit.

( Marc Le Bot )

- reprise de l'article de Libé -                                              complété  de photos perso...

Serra fait son

MoMa 

Le musée new-yorkais accueille une rétrospective de quarante ans de créations de Richard Serra.

Ses sculptures d’acier  monumentales jouent sur l’espace et le corps.   Un prélude à Monumenta, à Paris en 2008.

Richard Serra Sculpture Forty Year.                  Museum of Modem Art, New York

photo perso, prise  à Bâle  - Suisse              2013

C’est une rétrospective de quarante ans de création qui vaut son pesant d’acier. Juste vingt-sept oeuvres, plus de 1000 tonnes. Le Moma accueülele sculpteur Richard Serra en grand, sur trois niveaux : 6e, 2e et jardin. Le musée ne s’est pas contenté de faire de la place, il s’est remodelé dans l'attente de l’arrivée des mastodontes d’acier industriel. «L’ancien directeur, Kirk Varnedoe, m’avait proposé une exposition. Cela m’apparaissait impossible vu la charge de mes œuvres. La contrainte a été intégrée dansleprojet architectural», explique l’artiste qui vit àNewYork Inauguré en 2004, le nouveau Moma a ainsi été conçu avec un 2e étage assez solide et ouvert, reposant sur l’ensemble de la structure, pour permettre la présence des trois derniers opus de l’artiste américan.

Ocre. Comme à son habitude, le sculpteur, né en 1939, s’est confronté à l’espace imparti comme à un nouveau défi.

Au 2e étage, le volume emplit presque tout l’espace, en hauteur et largeur. L’ocre de l’acier, traité pour résister aux temps, tranche sur l’immaculé des murs.

Le visiteur se voit happé par Band, long ruban d’acier (3,9 m x21,9m). Torqued Torus II sion (3,9 mx 17,9 m) offre ouverture par où s’immiscer, attire en son milieu et incite à regarder vers le ciel. Sequi (3,9 m x 19,9 m), qui réunit des caractéristiques des deux autres,

apparaît comme la plus ambitieuse.

Le visiteur pénètre dans un couloir sinuseux suffisamment large pour permettre le passage, aux parois suffisamment hautes pour suggérer l’enveloppement .

Ce chemin de ronde sinusoidal finit ou commence, qu’importe le sens, dans une salle circulaire.

Les enfants y organisent spontanément des cache-cache.

Là réside la subtilité paradoxale de Serra: la sculpture monumentale n’est pas l’objet

Elle s’efface au profit du corps qui circule, peau contre acier

Le visiteur en retient une expérience, une étreinte.

Ciel. Dans le jardin du MoMa sont exposées deux sculptures plus anciennes de Serra Torque dEllipse IV(1998) et Intersection II (1992-1993). L’ impression est plus extérieure dans cet espace à ciel ouvert où se superposent marbre blanc; de la dalle, feuillages et haut des buildings de Manhattan

Au 6e étage, les expérimentations de la fin des années 60

Le jeune artiste testait déjà l’acier                  mais aussi la fibre de verre,           le caoutchouc,            les néons   et         le bois.

Un de ses challenges consistait à assembler des plaques jouant sur le miraclede la gravitation.

Son échelle a évolué vers le monumental. Il aime à parler du japon, où il a été frappé par la différence d’appréciation des distances, la proximité des gens entre eux, la façon dont l’espace joue avec le temps.

Désormais, Richard Serra jongle avec les commandes, principalement, publiques. Cinq villes de la côte ouest des Etats- Unis ont accueilli ses sculptures. Il vise Monumenta, la manifestation d’art contemporain démarrée cette année sous la verrière du Grand Palais.

Ce sera lui l’hôte de cette nef à sa mesure en mai 2008 et il complote une Promenade qu’il désire grandiose.

Il espère aussi que Clara Clara, installée aux Tuileries lors de son exposition à Beaubourg en 1983, replacée dans un square parisien puis enlevée, ressortira. Son art ne vit pas sans les corps et il se repaît de ce 2e étage du Moma, herculéen.

Pour lui, mais aussi tous les artistes qui lui succéderont.

«Maintenant, la sculpture peut avoir une position centrale, comme la peinture au siècle dernier.»  

dessins  noirs:  

1ère  repro  Lignes  et courbes,  

2è repro  Billie Holiday -  

3è repro: Brownie Mc Ghee

Richard Serra évoque la conception de ses trois nouvelles compositions

«Les visiteurs sont l’objet de leur propre expérience»

Pour Richard Serra, l’exposition du MoMa est une nouvelle étape dans ses expérimentations des formes.

Comment avez-vous conçu vos trois nouvelles œuvres ?

Spécifiquement pour cet espace qui a la forme d’un H.

Je voulais trois sculptures de configuration différentes et qui modifient à chaque fois la manière dont le corps appréhende l’espace. L’espace est mon vrai matériau, l’acier joue un rôle dans la gravitation ou la pression. On ne sent pas le poids, pourtant la totalité des trois œuvres pèse 500 tonnes.

Le public n’est pas concerné par la masse, mais par le mouvement, les courbes de circulation.

Torqued Torus Inversion mène vers un centre, avec la sensation que l’espace se rapproche. On peut dessiner la carte de Band dans sa tête, en se demandant ce qui est l’intérieur et ce qui est l’extérieur.

Ont-elles été complexes à réaliser?

Elles sont encore plus complexes que The Matter of Time installées au musée Guggenheim de Bilbao depuis 2005.

J’ai poursuivi mon travail de Torsions elliptiques. Ces torsions sont dotées du même rayon en haut et en bas, mais grâce aux plans incurvés d’acier qui forment un continuum, elles parviennent à donner un sentiment d’éléVation. J’aime inventer de nouvelles formes. Ces sculptures ne se réfèrent à aucuiî média, ne ressemblent à rien de connu.

Leurs formes n’existent ni dans la nature ni dans l’architecture. Du coup, elles laissent le champ libre au spectateur d’apporter son propre bagage. Le compositeur Phil Glass a ainsi pu voir dans mes œuvres le flux et l’espace de la musique. Les enfants les pénètrent comme dans un jeu.

Vous éludez l’objet...

Prenez les tableaux. Le contenu, si ce n’est pas le sujet de l’œuvre, se trouve dans la peinture. Prenez un objet sur un piédestal, par exemple la très belle Serpentine de Matisse également exposée au MoMa. Son contenu se trouve dans cette forme tout en circularité, mais le spectateur est laissé à l’extérieur. Dans mes œuvres, il y a une inversion entre le sujet et l’objet. Ce n’est plus regarder une peinture ou un piédestal, la représentation d'une scène ou une iconographie, désormais le sujet c’est vous. Et tout un chacun l’expérimente différemment.

Un jour donné, des milliers de personnes traversent ces œuvres et arrivent parfois à en avoir une expérience commune en se parlant, en échangeant. L’œuvre peut être un déclenchement. Au 5e étage, les visiteurs qui contemplent les Demoiselles d’Avignon ne se retournent pas pour se parler. Avec mes sculptures, cela arrive, parce que pour moi les visiteurs sont l’objet de leur propre expérience.

C’est un mouvement qui remonte aux années 60, issu de la génération postminimaliste avec Bruce Nauman ou Robert Smithson.

Pourquoi l'acier?

Jeune, j’ai travaillé dans des mines d’acier, pour payer mes études.

Quand j’ai commencé à imaginer des œuvres, j’ai écrit une liste de verbes d’action («To roll to crease to fold to store»)

pour poser mes propres procédures.                          Si l’on utilise les mêmes que d’autres avant soi, on risque d’être académique.

Il fallait que j’invente mes propres procédures et mes propres outils.

Cela ne veut pas dire que je n’ai pas regardé ce qui avait été fait avant, Brancusi par exemple.

Mais il me fallait trouver une voie propre.

Alors, j'ai posé cette liste de verbes et j’ai commencé à expérimenter.

Pour certaines de mes premières œuvres, comme celles du début des années 70 montrées au 6e étage,

j’ai tenté de faire tenir sans fixer pour explorer une tectonique de la construction.

recueilli par FRÉDÉRIOUE ROUSSEL

Driftwood 

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Ce  qu'on appelle pompeusement  " a work in progress"...

Les principales  étapes montrent les  choix  que j'ai faits....  pour  voir les photos avec une meilleure  définition,  cliquer  sur l'image  de taille moyenne...

Un fond avec des  "animations"  à dominante - jaune-orangé....

les ajouts  de touchent créent  une  "ambiance", et sont  destinées à être perceptibles sous les  couleurs  qui vont venir ensuite.

Des  couleurs  assez  fines  sont  rajoutées, elles  rendent  celles-ci plus variées  et subtiles:  voir détail ci-dessous ( prise de vue  éclairage  artificiel )

Les rapports  de couleurs  dominantes  sont  choisis        : verts-dorés, rouge-orangés, et une grande envolée blanche  en matière, vers le centre

quelques  détails :  ici bas-gauche

le blanc central - pâteux  avec éclairage  du jour - frisant: un vert amande est superposé aux orangés, un puissant rouge translucide  est ajouté  avec une  vibration orangée

partie gauche  avec effets  cuivrés  ( après hésitation, ne sera pas  conservée telle quelle)

L'ensemble  se précise,       une  "structure ", est toutefois envisagée  pour stabiliser la  composition de l'ensemble.

- photo  éclairage naturel, à l'intérieur

C'est chose  faite  avec des tracés orthogonaux venant soutenir l'évocation d'arcs  .  Les couleurs sont   revues  en plus sobre, et des blancs cassés  plus liés à la forme centrale

( photo d'atelier  - éclairage  artificiel )

 L’”axe” en bas…

suivi des effets  de matière  ( épaisseurs dans le blanc, par lumière naturelle  du matin –  éclairage  frisant )

- pour les images  de petite taille, cliquer dessus permet de les  voir  à une  échelle plus importante.

Les superpositions  de couleurs  animant le haut-gauche, la plupart sont  chaudes L’ensemble, dirigé par  la grande  forme  gestuelle  en matière claire),  est restructuré afin de permettre une meilleure  cohérence  de l’ensemble. La zone claire  n’est plus isolée.

D’autres interventions  dans les  clairs permettent  de “l’accrocher”,  aux parties trop tranchées, par avant.  A l’intérieur  des zones, des gestes de petite  amplitude  sont  laissés  et valorisés, , ce qui laisse  voir  les  couches  du dessous,  et donne  un aspect  plus léger  ,plus  ”organique” et – moins ‘massif ‘  que des zones  en à-plats

Comparer l’ambiance  dûe  aux  éclairages différents:  à l’intérieur ( éclairages  artificiels,  et à l’extérieur, en naturel  - lumière solaire)

- pour les images  de petite taille, cliquer dessus permet de les  voir  à une  échelle plus importante.

Détail montrant une intervention en  ”plumage”: touches  légères  empiétant les unes  sur les autres.

                    Détail partie  droite

Des prises  de vue  avec un appareil  de marque  différente  montrent  d’autres  subtilités   dans la perception des couleurs  - ( la lumière  a changé:  l’ombre  d’un végétal intervient  maintenant dans la partie verte ( en bas à droite de la toile)

Les techniques utilisées  sont un support  acrylique,   et reprise  en peinture  à l’huile en épaisseurs,  puis  glacis et transparences  avec  médiums à peindre,  et frottages  légers. Les zones  rectilignes  sont effectuées  à l’acrylique.

A  noter  que chaque  détail a son unité propre,

Il m’arrive  de repartir de certains  détails  pour  développer une peinture  autonome, en reprenant des rapports  de couleurs  ou de composition.

Cette  peinture  est une  ”commande”, —->  elle  ne sera pas vue par la personne à laquelle  elle  est destinée,  avant sa livraison.

—

RC

peinture: Egon Schiele:                 terrasses du Danube avec vignobles

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De vastes vents violents ont tourné le dos à la glace
et j’ai été forcé de plisser les yeux.
Sur un mur rugueux j’ai vu
le monde entier
avec tous ses vallées, ses montagnes et ses lacs,
avec tous les animaux qui courent autour
Les ombres des arbres et les taches de soleil
m’ont rappelé les nuages.
Je marchais sur la terre
Et je ne ressentais rien dans mes membres
je me sentais si léger.

(trad  RC )

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Hohe Grosswinde machten kalt mein Rückgrat
und da schielte ich.
Auf einer krätzigen Mauer sah ich
die ganze Welt
mit allen Tälern und Bergen und Seen,
mit all den Tieren, die da umliefen -
Die Schatten der Bäume und die Sonnenflecken erinnerten
mich an die Wolken.
Auf der Erde schritt ich
und spürte meine Glieder nicht,
so leicht war mir.

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Egon Schiele  est, bien sûr, l’artiste expressioniste  autrichien bien connu, dont ce site propose  les oeuvres complètes…

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 La femme bleue
Traverse notre vision,
C'est une flamme d'azur,
En simple papiers collés,
-
L'écho du ciel,
S'y imprime,
Dans des courbes
Sans nuages,
Et ses découpes,
Ouvertes sur l'espace,
Assemblent tracés et lignes.

Ils se rencontrent,
-
Oiseaux dansants,
D'un rêve assis.

-

 

RC - janvier 2014

Variation perso sur le "nu bleu", créé en face  de l'original, Fondation Beyeler, Bâle  -  décembre  2013

-- voir aussi avec le même texte  le thème graphique développé avec le logiciel Harmony,  directement,  en ligne...

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Enroulée sur elle même,
La ligne s'est mise à chanter,

S'inscrire en spirales

Sortir de la page,
Partie au loin,
Echappée avec Klee,
En petits signes,
Appuyés sur la couleur
Pour y revenir,
Encore plus libre,

-
En arabesques,
Autour des odalisques.

-
Matisse,
Joue de ce qui s'ouvre,
Des bords des visages,
Le dessin y invente,
Un regard, un sourire,
Une calligraphie du corps,
- Il danse,
En quelques traits posés
Les échos de ses courbes,
Et s'offre sur l'espace.

-

RC- janvier 2014

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Parallèllement  et coinjointement  au mouvement  du Pop-art américain,  se développe  en France dans les  années  60-70,

un mouvement  appelé  les  "nouveaux réalistes"...

Ils prennent en compte  la société  dans laquelle ils vivent,  , notamment  sous les  aspects  du monde de la consommation,  : l'argent,  les  déchets,  la multiplication d'objets industriels, identiques, et tous les aspects  qui concourrent  à ce fonctionnement: les méthodes de la publicité:  néons, affiches, objets  recyclés ou non..

C'est  de cas de César, avec ses  voitures compressées,  à la suite  de l'américain Chamberlain,

Yves Klein,  avec ses célèbres  impressions  de femmes  en bleu  lors  de séances publiques " happenings",  utilise  aussi  les feuilles  d'or  et le feu

Martial Raysse,  qui reprend des images publicitaires ou du monde  de l'art, en intégrant des néons  clignotants,

De Villeglé ou Hains,  avec les  affiches  lacérées.

Tinguely  qui monte  des mécaniques dérisoires  et parfois monstrueuses à base  d'éléments  de ferraille récupérés.

De Christo,  qui emballe  des objets,  puis  des monuments  entiers, sur place,  comme  le  Reichstag à Berlin, le Pont-Neuf à Paris...

Niki de St Phalle  qui tire  à la carabine  sur  des modèles en plâtre  garnis depoches de peinture,  et ensuite  se rendra  célèbre avec ses célèbres  "nanas" rondes, de toutes  les  couleurs,  associées  parfois aux  assemblages  de Tinguely.

( à noter  que  ces  artistes  groupés  selon l'appellation de "nouveaux réalistes",

n'ont jamais  fait eux-même  de manifeste, ni crée de mouvement,  c'est  le critique  Pierre Restany,  qui les  a  dénominés ainsi,  alors  que  chacun, conserve  sa démarche  et son esthétique particulières.)

Arman, lui, a une  démarche particulière,  puisqu'il travaille  essentiellement  sur  les "accumulations", telles  qu'on peut  apercevoir  dans le monde  du commerce, dans les  étalages  des supermarchés,  mais  aussi, à l'inverse,  dans  celui des décharges  publiques.

Il met en scènes des objets  de consommation contemporains, en construisant des sortes  de vitrines,  où il accumule, sans les modifier  des objets  quotidiens ( moulins à café, embauchoirs à chaussures), ou bien  qu'il insère  dans  des blocs de résine ( on a l'impression que les objets  flottent  en l'air ).

Son attention se focalise  aussi sur le monde  de l'automobile...  il construit des  tours aussi  hautes  que certains immeubles,  à partir  de voitures  accumulées,  coulées  dans du béton  (  il fera  de même  avec des chars  d'assaut).

... on peut imaginer  que  des décennies plus tard,  voire  quelques  siècles...  les  parties métalliques  se seront  complètement  désagrégées, il restera   donc  la trace  en creux  ( fossilisée), du monde   contemporain à la création des objets... avec  de part et d'autres  des éléments qui auront  survécu à la  décomposition:  volants,  roues....

Par ailleurs  il a été sollicité par la  firme Renault  pour  créer  des accumulations,  à partir  de produits de cette marque  : portières  etc...

l'élément industriel  se change  donc  en réelle  sculpture.

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Naturellement il est important de  "faire le tour"  des accumulations  d'Arman...  pour  celà  se rendre  directement  sur le site  évoquant les oeuvres  de l'artiste...

Arman, s'intéresse au monde  de l'art,  et le  critique  " de l'intérieur",  notamment, en reproduisant des oeuvres  célèbres  du peintre Van Gogh " la nuit étoilée"

dont il va  exploiter  les  mouvements  de spirales et traces  de pinceau très apparentes,  mais  en laissant  inclus dans la peintures, brosses et pinceaux  qui sont  censés avoir abouti à la naissance de l'oeuvre...

avec la  "nuit brossée"

le nuit  en progrès

,

et bien d'autres  variations sur le même  thème...

Toujours par rapport à l'art ( l'utilisation de la peinture)...

voila son rapport aux tubes  de couleur:

toute une  série  que l'on peut  retrouver  dans  les pages  "arman refait le peintre"...

Arman  s'intéresse  aussi  à la  sculpture, mais  plutôt  que  de la laisser telle  quelle,  il va  s'inspirer  de modèles  classiques,  qu'il découpe  en lamelles  parallèles, qui répond  à son esprit de  "fragmentation"  ( qu'il s'agisse  de chaises, d'instruments de musique...

Il prend pour base des statues  mythiques

par exemple la statue de la Liberté,  la  vénus de Milo--  qu'il insère  ( voir  document ci-dessus), avec les lamelles  de statues  évoquanyt les  bronzes  africains (  en particulier ceux du Bénin)

Voir aussi les  chevaux  de la  calaverie Héroïque  ( il se réfère à la peinture  ou sculpture monumentale  d'histoire)...

En résumé  son approche  est critique, par rapport  aux mythes  quotidiens,  et aux images  faisant appel à des références  artistiques, considérées  comme  "classiques", et qu'il va démonter...

--

Le rapport  aux  objets  artistiques  va aussi  lui permettre  de se confronter  avec d'autres  sortes  d'arts: les  arts  "premiers",  qui s'accumulent  dans les musées...

A la façon d'un Warhol, par,exemple

,

et enfin tous types  de créations, notamment  à base de sérigraphies  comprenant des empreintes  d'objets...

la cafetière

les ciseaux

les violons

Cette  dernère  repro  marquant son rapport insistant avec la musique  et les instruments  "décomposés"

Le musée d'art contemporain de Nice  ( le Mamac ) prénsente  beaucoup  d'artistes  

de cette  époque  et correspondant aux  représentants  du "nouveau réalisme"...

--

une autre  analyse  de l'oeuvre  d' Arman,  c'est  sur ce site